Zuerst – Lies das tolle Buch Gimme Indie Rock von Andrew Earles. Der hat 500 Alben der hier beschriebenen Provenienz toll dargestellt, der hat im großen Rahmen beschrieben, was ich hier in Kapiteln versuche zu ordnen. Ich bin durch dieses Buch auf einige Alben gestoßen. Das meiste kannte ich…
…dieses Kapitel mag der Leser im Anschluss an die ’67er und ’68er Kapitel über den Psychedelic Rock an der Westküste der USA lesen. In „1967 – Monterey und der „Summer of Love“ – Psychedelische Plakatkunst“ und „1968 – Die Ernte des Summer of Love und seine Konzert-Venues“ sind die entscheidenden Ereignisse und einige Alben des Psychedelic Rock der Bay Area beschrieben.
Psychedelic Music… tja. Damit haben irgendwann in den Sechzigern Jugendliche angefangen, als sie unter dem Einfluss bewusstseinserweiternder Substanzen Musik machten und sich eine Veränderung der WELT erhofften. Diese Hoffnung wurde zu Beginn der 70er allerdings durch Krieg, schlechte Drogen, den Verkauf von Idealen und die harsche Realität mindestens verdunkelt.
Spätestens 1991 hat sich der Begriff „Grunge“ in der Jugendkultur aufgebläht um dann – wie das mit solchen Hypes ist – nach wenigen Jahren wieder zu implodieren. Nirvana’s Nevermind und Pearl Jam’s Ten waren die Alben, die fast jeder junge Mensch zwischen 15 und 25 Anfang der 90er gehört und gefeiert haben dürfte (lies dazu das Kapitel 1991… Ein Jahr voller Grunge).
Seit Ende der 60er Bands wie Can, Amon Düül oder Tangerine Dream auf der Musikszene erschienen sind, sind ein paar Jahre vergangen. Inzwischen hat auch das Ausland (zumindest das UK) – insbesondere Dank DJ John Peel – Kenntnis davon erhalten, dass die „Krauts“ (Die Weltkriegs-Bezeichnung für die „Deutschen“) inzwischen sehr eigenständige Musik machen.
Ich verweise immer wieder gerne auf dieses tolle Buch von Andrew Earles mit dem von der Band Sebadoh entliehenen Songtitel „Gimme Indie Rock“. In dem werden 500 Alben von US-Bands aus der Zeit von 81 bis 96 als wichtige Beispiele für den extrem heterogenen (Stil)-Begriff „Indie Rock“ vorgestellt.
Auch für das „Folk-Genre“ gilt: Es gibt seit langem keine „reine Lehre“ mehr. Die Zeiten, als britische Folkmusiker – oder Bob Dylan in den USA – von Fundamentalisten verachtet wurden, weil sie sich von den Vorlagen aus der Zeit der Vorväter entfernt hatten, gar elektrische Instrumente einsetzten, ist lange vorbei.
Neben all der „Populärmusik/Rockmusik – wasauchimmermandazusagenwill..“, die in all den Kapiteln im Großen Rockhaus untergebracht ist, gibt es in jeder Phase/zu fast jedem Zeitpunkt Alben, die sich in keine Kategorie einfügen lassen. Manche dieser Alben – und ihrer Künstler – sind „nur“ ihrer Zeit voraus, setzen ggf. Trends, die in einigen Monaten aufgegriffen werden und möglicherweise so etwas wie Mainstream werden.
1986 steht Metal in voller Blüte. Da ist vor Allem Thrash, die härtere, amerikanische Variante des punk-infizierten Metal aus Großbritannien. Vorbilder wie Iron Maiden, Diamond Head oder Saxon klingen gegen Bands von der US- Westküste wie Slayer, Metallica, Megadeth oder Metal Church inzwischen fast zahm, zugleich bringen New Yorker Hardcore Bands wie Cro-Mags, Crumbsuckers oder Agnostic Front ihre Härte in den Thrash ein – und werden wieder selber von ihm beeinflusst
Achtung! Anstrengend. Fast wie Free Jazz… Mal ganz vereinfacht: Ein Drone ist eigentlich ein durchgezogener tiefer Ton, bei alten Folksongs gerne auf mittelalterlichen Instrumenten wie Dudelsack oder Drehleier gespielt, der einer Melodie unterlegt wird. Diese Melodie hält sich wiederum an dem Drone fest. Soweit so gut.
Ab Mitte der 90er ist es ein Vergnügen, sich mit Trauer und Langsamkeit zu beschäftigen. Es gibt nach dem Aufkommen und Zusammenbruch des Indie-Hypes eine große Anzahl von Bands/Alben, die sich nur noch sehr bedächtig in den weiten Feldern des ermüdeten Indie-Rock bewegen.
Spätestens ab den Mitt-90ern wird es kompliziert, wenn man in der Geschichte der „Rockmusik“ ein Kapitel mit einem Stilbegriff überschreiben will. Es ist die Zeit der Postmoderne, die sich auch in den zu dieser Zeit angesagten Stilbegriffen wiederfindet:
Die wichtigen und großen Jahre des British-Blues-Rock Boom sind – wenn man sich an Alben orientiert – die Jahre 1968 bis 1970. Dieser spezielle importierte Blues wurde nach kurzer Zeit immer stärker mit progressivem Rock und Psychedelia vermischt. Brit Blues hatte sich im United Kingdom seit der Mitte der Sechziger aus diversen Quellen entwickelt.
In der Einleitung des Hauptartikels 2005 steht geschrieben…: „Die Aufregung um gehypte Bands wie Franz Ferdinand, und mit ihr der ganze Post-Post-Punk Hype sinkt auf ein erträgliches Maß, als etliche dieser Bands ihre mehr oder minder hippen Zweit-Werke veröffentlichen…“ Das kann man sich natürlich genauer anschauen/hören…
Ja – 1984 erblüht Thrash Metal. Und mit Proto-Black Metal a la Bathory und Celtic Frost kündigen sich noch schröcklichere Gestalten im harten Genre an. Aber es gibt zu dieser Zeit (und auch später noch…) auch die Bands, die – meinetwegen – eher zurück blicken.
Jetzt starten die Bands des US-Thrash Metal richtig durch. Die härtere, modernere Variante des Metal – von Hardcore und den Bands der britischen neuen Welle des Heavy Metal beeinflusst – hat mit Metallica’s Ride the Lightning (im Hauptartikel 1984 beschrieben…) sein erstes wirklich über Jahre hinaus einflussreiches Album.
Und wieder: Es gibt dieses tolle Buch von Andrew Earles mit dem von der Band Sebadoh entliehenem Songtitel „Gimme Indie Rock“. In dem werden 500 Alben von teils auch hier genannten US-(!) Bands aus der Zeit von 81 bis 96 als wichtige Beispiele für den extrem heterogenen (Stil)-Begriff „Indie Rock“ vorgestellt.
Wie so oft schreibe ich über einen musikalischen Trend zu dem Zeitpunkt, an dem er sich am besten an bestimmten Alben festmachen lässt – denn mir geht es in erster Linie um die auf Tonträgern dokumentierte Musik – und nicht so sehr um das erste Mal, an dem eine bestimmte Absicht in Musik gegossen wurde.
1962 beackern einige Plattenlabels in den USA Jazz als kommerziell ertragreiches Feld. Dass Miles Davis bei Columbia veröffentlicht – und dort auch bis zu seinem Tode bleiben wird – zeigt, dass diese Musik und kommerziell orientierte Musikverlage zusammengehen.
Die Revolution, die nach der Explosion von Punk im UK (und auch in Rest-Europa) vonstatten ging, führte zu mindestens so großen Veränderung in der populären Musik, wie Elvis‘ Erfindung des Rock’n’Roll oder Dylan’s Elektrifizierung von Folk into Pop.
Natürlich gibt es auch zu Beginn des neuen Jahrtausends genügend Singer/Songwriter. Um es zu Beginn dieses (…und all der anderen Kapikel mit dieser Überschrift…) zu erwähnen: Musik, die unter diesen Begriff fällt hat keine wirklichen stilistischen Grenzen.
1993 kann man als das Jahr der Initialzündung einer mitunter recht zwiespältigen Variante des Metal ansehen. Ende der Achtziger hatten ein paar Jugendliche in Norwegen keine Lust mehr auf die – ihrer Meinung nach – zu wenig ernsthaften und nur noch “modischen” Bands des Death- und Thrash Metal.
Der/Die Singer/Songwriter/in ist auch in den 90ies noch da. Diese Künstler machen ja sowieso das, was Popmusik seit den frühen Sechzigern ausmacht: Man erzählt seine Geschichten, schreibt einen Song und spielt dazu Gitarre oder Klavier. Na ja – Eigentlich machen das doch alle Musiker von Country bis Death Metal…
Es gibt dieses tolle Buch von Andrew Earles mit dem von der Band Sebadoh entliehenem Songtitel „Gimme Indie Rock“. In dem werden einige der hier beschriebene Alben als wichtige Beispiele für den extrem heterogenen (Stil-)Begriff Indie Rock vorgestellt.
..aber neben den im eigenen Kapitel gewürdigten Death Metal Klassikern erscheinen ’89 natürlich immer noch etliche Thrash-Metal Alben von hoher Qualität.
1987 hatte Chuck Schuldiner mit seiner Band Death und dem Debütalbum Scream Bloody Gore – und im folgenden Jahr mit dem Nachfolger Leprosy – den Standard für eine weitere Extrem-Metal Variante gesetzt: Man will fast behaupten, er hat ein komplettes Genre „erfunden“:
In diesem Jahr türmt sich in meinen Augen die Welle der schmutzigsten Variante des Death-Metal auf, um sofort zu „brechen“: 1988 wird Grindcore zu Ende dekliniert.
…Na ja, es ist wohl auch Ansichtssache – aber ich habe den Eindruck, dass der Fan „progressiver“ Rockmusik die Ästhetik seiner favorisierten Musik nie hinterfragt hat.
Nirvana’s Nevermind – und damit der angebliche Startschuss für den kommerziellen Siegeszug der „alternativen“ Rockmusik – wird am 24. September 1991 veröffentlicht. Die Nevermind-Single „Smells Like Teen Spirit“, die via MTV den Siegeszug der Band Nirvana einläutet, erschien 14 Tage zuvor.
Es ist unfair. Man hat die „großen“ Bands/Musiker aus der Mitte der Sechziger – die Beatles, die Stones oder Dylan und die Byrds – im Gedächtnis, weil bei ihnen neben großem Talent auch Glück, ein schlaues Management und die damalige – auch die heutige – Musikpresse beim Hype zusammenwirkten.
Schon für die Mitt-90er habe ich Kapitel über „Freien Folk“ verfasst – die Spielart des Folk – oder des „New Weird America“ oder des Avant-Folk oder Psychedelic Folk oder oder – die gerne das Songformat sprengt, Musik, die Einflüsse aus anderen Stilarten als den in der populären Musik der westlichen Welt üblichen integriert.
Ich kann diesen Artikel NICHT mit dem Begriff „Slowcore“ überschreiben – weil die Bands, die in diesem Artikel diese wunderbar langsame Musik machen, nicht im selben Topf köcheln, wie die Protagonisten dieses sog. Slowcore, und weil selbst die den Begriff „Slowcore“ eher misstrauisch bis ablehnend betrachtet haben dürften.
Der Artikel über Death Metal 1991 wäre ohne eine Zweiteilung einfach zu lang geworden. Ich habe mich für den zweiten Teil auf Bands ausserhalb des Anglo-Amerikanischen Raumes konzentriert. Denn Tatsache ist, dass gerade im Metal spätestens seit den Mitt-Achtzigern eine erstaunliche Internationalität herrscht. Bands aus Skandinavien, aus Süd-Amerika, aus Zentral-, Süd- und Ost-Europa, aus Asien und Australien, sprechen EINE musikalische Sprache – und ein Beweis dafür findet sich in diesem 2. Teil des Artikels über Death Metal 1991.
Death Metal – ich will die Gelegenheit nutzen, diesen Lärm anzupreisen, den Krach, der sich zunächst so formlos und un-unterscheidbar über die Ohren seiner Hörer stülpt, der aber (wie so oft bei Musik, die mit „Noise“ arbeitet) bei genauem Hinhören erstaunlich brilliante Verzierungen innerhalb des Lärms erkennbar werden lässt – und der sich zu Beginn der 90er in Musiker-Kreisen trotz seiner scheinbar infantilen Themen und Covergestaltungen als ernst zu nehmende musikalische Revolte beginnt zu etablieren.
994 ist ein Jahr, in dem eine Unzahl hervorragender Metal-Alben veröffentlicht werden – verteilt auf alle Nischen des inzwischen in x Varianten aufgefächerten Genres. Hier will ich den Fokus auf das von mir besonders geliebte Sub-Genre Doom richten – das selber in diversen Varianten existiert – und dazu ein paar erklärende Worte schreiben:
Ich kann auch völlig unhip (Stand 2021)…. Musik aus Großbritannien Mitte der Neunziger mit dem Begriff „Brit-Pop“ zu etikettieren ist der hilflose Versuch, doch teils recht unterschiedliche Bands und Sounds einer bestimmten Zeit und Herkunft zu vereinheitlichen und unter einen Deckel zu stecken… und führt logischerweise zu Mißverständnissen.
Die Populärmusik der frühen Neunziger hat an „Härte“ gewonnen. Acts wie die Pixies, Nirvana (NOCH keine Mega-Stars), Crossover Helden wie die Red Hot Chili Peppers oder HipHop Acts wie Public Enemy sind laut, hart, schnell, depressiv bis aggressiv – und spiegeln mit ihrer Härte den Zeitgeist wieder.
Eines als Einführung: Für den Nicht-Initiierten hört sich in den extremen Bereichen des Metal vermutlich vieles ziemlich gleich an – aber für einen Inuit ist Schnee ja auch nicht gleich Schnee – es gibt Unterschiede, die man bei genauem Ansehen erkennt.
Die hier unten versammelten Musiker und Alben mögen stilistisch sehr unterschiedliche Grundlagen haben – und ich will auch keine Ähnlichkeiten herbeifantasieren – aber eines fällt auf im Jahr 1969:
Beim verfassen dieses Artikels wurde mir klar, wie wenig ich über elektronische Musik weiss. Meine Annahme, dass der kreative Prozess, in dem diese so innovativen Klänge entstanden sind, ein anderer ist, als der Prozess beim erzeugen „klassischer“ Rockmusik hat sich als falsch entpuppt.
Genau wie Hardcore, Punk, Blues – wie alle Genre’s und ihre Bezeichnungen – ist auch Noise-Rock ein äußerst ungenaues Wort für Musik von Bands, die Einflüsse aus unterschiedlichen Richtungen mit EINER Gemeinsamkeit verbinden:
Der Begriff „Post Rock“ wird vom Journalisten Simon Reynolds in seinem Review des ’94er Bark Psychosis Albums Hex für das Mojo Magazin geprägt:
Man mag sich die Frage stellen, ob die Unterschiede zwischen den HipHop Acts der US Westküste (sprich aus L.A.) und der Ostküste (namentlich New York) nicht nur konstruiert sind. Letztlich ist es doch alles HipHop – Musik, bei der über Samples und Beats die jeweilige Lebensrealität dargestellt wird.
Das Golden Age of HipHop ist an seinem Höhepunkt angelangt. HipHop hat seit beginn der Neunziger die Charts erreicht und die Rapper der verschiedenen Szenen im Osten, Westen und Süden der Staaten haben sich in Stellung gebracht.
Wie so oft: Auch das Thema dieses Kapitels könnte eine andere Jahreszahl vorantragen. Die US Version des „neuen“ Metal – genannt Thrash – brach natürlich nicht exakt im Jahre 1983 los – aber ’83 ist ein gutes Jahr, um sich mit den Innovatoren des Heavy Metal nach den Siebzigern zu beschäftigen, weil in diesem Jahr nach einer Zeit im tiefsten Underground die ersten „Alben“ dieses Stils erscheinen.
Zu Beginn der Achtziger haben in den USA die unabhängigen Radiostationen der Colleges und Uni’s begonnen, eigenständige Radioprogramme zu senden – losgelöst vom Charts-Diktat der landesweit arbeitenden „kommerziellen“ Radiostationen.
Zunächst einmal ein bisschen Geschichte: HipHop entstand zu Beginn der Achtziger an der Ostküste der Staaten, genauer in den Ghetto’s der New Yorker Bronx.
Hardcore, die schnellere Form des Punk, hat sich seit dem Ende der Siebziger ganz prächtig entwickelt. Insbesondere in den USA gibt es inzwischen einige stilistische Varianten des zunächst scheinbar so schlichten Getrümmers.
Und wieder der Hinweis: Ich benutze gerne Genrebegriffe – sie sind praktisch – aber ich bin mir der Tatsache bewusst (und will sie deutlich machen…) dass sie fast immer falsch, ungerecht und dümmlich vereinfachend sind.
NWoBHM ist das Acronym für die sog. „New Wave of British Heavy Metal“. Ende der Siebziger kamen diverse Faktoren zusammen, die dazu führten, dass aus dem inzwischen schwächelnden Hard Rock „Heavy Metal“ wurde… und das ist die vereinfachte Darstellung:
Hier ein genauer Blick auf „Synth-Pop“ – oder soll ich sagen die elektronische Musik des Jahres ’81…? ..zusammen mit meinen Ansichten zu fünf regulären LP’s des Factory Labels aus dem Jahre 1981 (es gab da noch eine Compilation…).
Ein Ziel dieser Seite ist es, den Variantenreichtum bestimmter „Genre’s“ am Beispiel der Alben eines bestimmten Jahres vorzuführen. Wobei ich – wie so oft erwähnt – dogmatische Reinheitsgebote für Genre’s nicht gelten lasse.
…wieso Cleveland? Cleveland in Ohio war in den 30er Jahren mal eine der größten und wichtigsten Städte der USA. Aber mit dem Beginn der Ölkrise zu Beginn der Siebziger gingen fast alle großen Arbeitgeber aus der Stahl- und Automobilindustrie pleite, weil sie mit der internationalen Konkurrenz nicht mithalten konnten – ein Problem, das die US-Wirtschaft bis heute quält.
Punk ist – wie schon öfters von mir erwähnt – ’76, also sofort nach seiner „Geburt“, mit einem feuchten „Plopp“ implodiert, hat dabei aber mächtig Eindruck hinterlassen, indem er etlichen jungen Menschen die sehr positive Erkenntnis vermittelt hat, dass man auch ohne große Vorkenntnisse oder gar Virtuosität, dafür mit Vision, Wut und Engagement interessante Musik machen kann.
Die Jahre ’76 und ’77 gelten als die Jahre des Punk. Aber das ist natürlich eine holzschnitt-artige Vereinfachung des Musikgeschehens, die praktisch, aber sehr ungenau ist.
New York war – und ist bis heute – die Welt-(Sub-)Kultur-Hauptstadt. Mitte der Siebziger manifestierte sich diese Tatsache in einem kleinen Club mit dem Kürzel CBGB’s (Genauer – CBGB’s OMFUG – steht für Country, Bluegrass and Blues Club – Other Music For Uplifting Gourmandizers).
Von 1976 bis 1978 bewohnte (der einstmalige) Glam-Star David Bowie für einige Zeit eine Siebenzimmer-Altbauwohnung in der Hauptstraße 155 im West-Berliner Stadtteil Schöneberg. Damals war die geteilte Stadt bekannt als „Welthauptstadt des Heroins“ – und Bowie hatte absurderweise genau hier vor, irgendwie von seiner Heroin-Sucht loszukommen – und musikalisches Neuland zu betreten
Insbesondere hier in Deutschland und mit diesem Abstand von Jahrzehnten mögen die Unterschiede zwischen dem Country aus Nashville, Outlaw Country und dem, was ich hier „Cosmic American Music“ nenne verwischen, die Alben dieser „Genre’s“ können mitunter verdammt ähnlich klingen…
Zu Beginn der Siebziger hatte sich der in Nashville als Song-Lieferant längst etablierte Willie Nelson aus der Country Metropole abgesetzt und war nach Austin/TX gegangen, wo er eine rege und dankbare Szene sowie mit Atlantic ein neues Label fand, das ihn seine Musik so spielen ließ, wie er es sich vorstellte.
Das Thema Countrymusik ist eines, das sich (in Europa) eher an eine kleine Gemeinde von Liebhabern und Nerds richtet – Country scheint ähnlich hermetisch wie Jazz, Rockabilly oder Black Metal. Der „Durchschnitts-Hörer“ kann mit dem Kitsch dieser Cowboymusik oft Nichts anfangen.
Nachdem Brian Eno im letzten Jahr Roxy Music verlassen hatte, war er mit zwei Solo-Alben irgendwo zwischen Art-Pop und Experiment recht erfolgreich gewesen. Aber 1974 wurde seine Arbeit dann durch einen Autounfall unterbrochen.
Ab Ende der 70er wird erstmals „elektronische Musik“ – das meint hier – hauptsächlich mit Synthesizern erzeugte Musik zu Pop. Sie wird kommerziell erfolgreich, ihre Protagonisten werden zu einem neuen, distanzierter wirkenden Typus Popstar. Für diese Entwicklung gibt es mehrere Gründe:
OK, Punk ist 79 schon lange…. ich mag’s schon gar nicht mehr sagen. Es gibt ’79 siche noch hie und da ein letztes Zucken von Bands der „ersten Stunde“ – einen Auswurf, der die letzten Tropfen Rotz enthält und man kann manchmal auch zu Recht Geldmacherei dahinter vermuten.
Ende der Sechziger, Anfang der Siebziger fließen im United Kingdom und in kleinerem Maßstab auch in den USA ein paar musikalische Strömungen zusammen um einen neuen Flusslauf zu bilden, der sich spätestens Ende der Siebziger in ein ganzes Delta mit verschiedenen stlistischen Verläufen ergießt.
Die Warnung wurde in den vorherigen Artikeln über den Laurel Canyon ausgesprochen: Die countryfizierte Hippie-Musik in den Kreisen der Laurel Canyon Anwohner tendiert zum seichten, eskapistischen vielleicht sogar beliebigen Schlock – oder sie wird durch die immer härteren Drogen – insbesondere durch Kokain, das inzwischen in Massen zirkuliert – immer ungenießbarer.
Ich habe mich im Artikeln 1980 – The Comsat Angels bis Psychedelic Furs speziell auf Post-Punk aus Großbritannien beschränkt – weil ich immer den Eindruck hatte, dass die britische „New Wave“ andere Hintergründe und eine andere Haltung und Ästhetik als Fundament hat, als der heute so genannte Post Punk aus den USA
Und schon wieder: Ein Genre, eine Schublade, eine Bezeichnung für Musik einer bestimmten Zeit, die Bands mit im Grunde völlig unterschiedlichen Ideen unter einen Hut stopfen.
Für das Jahr 1970 habe ich einen Teil der Geschichte der Musiker-Szene aus dem Laurel Canyon beschrieben. „Headliner“ war für mich das explizit auf die Örtlichkeit bezogene Album Ladies Of The Canyon von Joni Mitchell.
Lenny Waronker, der in den Credits aller weiter unten vorgestellten Alben vorkommmt – ist Sohn eines Produzenten aus Hollywood, war von Kindesbeinen an mit Randy Newman befreundet, mit dem er gemeinsam Klavier lernte, und dessen Songs er früh als B-Seiten für diverse Künstler u.a. an Liberty Records – das Label seines Onkels – verkaufte.
Wie im Artikel Country in Hippie-Zeiten ’69 beschrieben, werden die Grenzen zwischen Hardcore Country und Folk/Rock/Pop in diesen Jahren immer durchlässiger.
Irgendwann Mitte der Sechziger bildete sich in den Holywood Hills von LA, nahe des Sunset Strip ein musikalischer Mikrokosmos – eine Szene – entlang der sich schlängelnden Straße in einem kleinen Nebental in einer Nachbarschaft, die „Laurel Canyon“ genannt wurde.
Ist ja ganz lustig zu sehen, wie sich „populäre Musik“ Ende der Sechziger entwickelt. Man vergleiche allein die LP-Cover der Alben, die aus dieser Zeit als Klassiker in Erinnerung geblieben sind, mit denen der Country-Alben aus Nashville.
1970 ist eindeutig das Jahr, das als Geburtsstunde des „Heavy Metal“ gelten kann. Dabei haben Black Sabbath und Deep Purple sicher nicht geplant, ein Genre zu gründen
1969 ist ein Jahr, das so voll mit epochalen Alben ist, dass ich selber in meinem „Hauptartikel“ (…) etliche Meisterwerke schmerzlich vermisse. So müssten die drei (3 !!) ’69er Alben von Fairport Convetion eigentlich dort untergebracht werden – genau wie Nick Drake’s Debüt, Scott Walker’s viertes Solo-Album, Led Zeppelin’s Debüt etc pp…
Es ist der Menge an Klassikern des britischen Blues-Rock geschuldet, dass ich auch hier zur besserern Lesbarkeit ein zweites Kapitel verfasse. Die Alben in diesem zweiten Kapitel sind nicht schlechter, nicht besser, nicht einmal so anders, als die der 12 Acts aus Kapitel 1.
Es hat Mitte der 60er angefangen, als Musiker wie Alexis Korner, die Yardbirds, der große Integrator John Mayall und einige weniger namhafte Kollegen unter dem Einfluss von importierten Blues-Platten und den nach England zu Festivals geholten alten US-Blues-Meistern ihre eigene Version der alten Tante Blues zu spielen begannen.
Über den Summer of Love und das Monterey Pop Festival im Juni ’67 habe ich einen Artikel geschrieben, Bands die dort auftraten mit ihren Alben vorgestellt – soweit sich das lohnte. Aber eigentlich erst im Jahr darauf ernten viele der beim Festival beteiligten Musiker die Früchte ihrer gewonnenen Popularität.
Mitte bis Ende der 60er ist DIE Zeit für Psychedelic Rock. In den USA, England und Europa spielen Bands und Musiker Alben ein, bei denen bewusstseinserweiternde Drogen, Fuzz-Gitarren, „trippy“ Sound-Effekte und surreale Lyrics über Pop und Rock gegossen werden.
Free Jazz Alben kann man seit dem Ende der Fünfziger finden, aber das erste eindeutige so benannte seiner Art ist natürlich Ornette Coleman’s Free Jazz – A Collective Improvisation By The Ornette Coleman Double Quartet. Aber wie das mit allen Genre’s so ist: Einen wirklichen Startpunkt für Free Jazz kann kann man natürlich nicht durch eine Jahreszahl definieren.
Die Bezeichnung Singer/Songwriter – so beliebig sie ist – steht für eine Art Musik,die eine paar entscheidende Unterschiede zum „Folk-Singer“ der 50er-60er Jahre aufweist.
Welche Bands und welche Alben aus dieser Zeit bis heute „Gültigkeit“ haben, welche jederzeit hörbar sind und welche im Laufe der Zeit immer „unwichtiger“ werden, ist unmöglich zu bestimmen. Klar, Hendrix kann man doch immer hören – oder vielleicht doch nicht ?
Der Summer of Love wird oft mit dem Woodstock-Festival gleichgesetzt – was falsch ist: Woodstock fand zwei Jahre später statt, im Sommer ’69. Das Musikfestival, das für den Summer of Love steht, war das Monterey Pop Festival, lustigerweise ein Festival, bei dem die Bands die absagten fast namhafter sind als die, die dabei waren.
1966 ist auch für Fans des klassischen Soul ein Jahr voller großartiger, bahnbrechender Musik. Noch immer ist die schwarze Musik an Sangeskünstlern orientiert, die aus den Wurzeln Gospel und Blues schöpfen. Noch immer ist der Gesangsvortrag beseelt – und nicht auf’s erreichen möglichst vieler Oktaven via Technik zentriert, wie es ab den Achtzigern der Fall sein wird.
Noch liegt der Summer of Love in der Zukunft (…kommt im Jahr 1967…), aber Hippie-Glückseligkeit liegt schon genauso in der Luft, wie Vietnam-Protest, der Duft von Marijuana (verboten) und Bewusstseinserweiterung via LSD (erlaubt).
Nun kann man den apellativen Titel von Ornette Coleman’s epochalem Album Free Jazz! auch für Folk verwenden: Das Jahr ’66 wird (auch…) wegen der Befreiung des Folk aus seinen traditionellem Grenzen und Regeln durch Gottvater Bob Dylan in Erinnerung bleiben.
Der junge Afro-Amerikaner Tom Wilson hatte sich in den Fünfzigern nach Abschluss eines Wirtschafts-Studiums zunächst einen Namen als Produzent von progressiven Jazzmusikern gemacht.
Zu den diversen Unterströmungen, in die sich der Jazz in den Fünfzigern verzweigt, gehört auch die Form, bei der die Stimme das Solo-Instrument ist. Der Song-orientierte Vocal-Jazz hat seine Wurzeln in der Musik der 20er und 30er Jahre. Damals haben Sängerinnen wie Ma Rainey, Bessie Smith oder Marion Harris Blues und Jazz – die da noch einträchtig zusammen existierten – mit ihren Stimmen bereichert, bei diesen Sängerinnen stand erstmals die instrumentale Begleitung im Hintergrund, Story und Gesangs-Vortrag hatten mindestens die gleiche Bedeutung, wie die Leistungen der Instrumentalisten, die Stimme war mindestens so wichtig, wie der Song selber.
